Diese Grand Opéra kommt direkt aus dem Orkus der Operngeschichte. Premiere 1835, sodann einer der Blockbuster des 19. Jahrhunderts. Aber bis vor kurzem war La Juive fast vergessen. Fünf Akte lang dreht sich alles um tödliche Rache, ewigen Hass, todgeweihte Liebe, Progromstimmung ohne Ende, man schreibt das Jahr 1414.
Die k.-u.-k.-u.-k.-Oper (Kaiser, Kardinal, Konzil) ist vollgepumpt mit historischer Dignität – und voll historischer Konstruiertheiten: Römischer Rüpel lässt die Söhne eines Juden hinrichten. Der rettet später die neugeborene Tochter des Rüpels aus den Flammen eines Hauses. Jude geht in die Verbannung und zieht das Mädchen als seine eigene Tochter auf. Rüpel wird Kardinal. Im fernen Konstanz lässt der Kardinal-Rüpel den Juden plus – erst im Moment des Todes erkannter – Tochter hinrichten. So weit, so Librettist Eugène Scribe.
Krude? Von wegen! La Juive trendet. 1999 Wien, 2003 Met, 2008 Zürich und Stuttgart. 2016 Mannheim und Nürnberg. Um nur einige Produktionen zu nennen.
Gut: Um die Story zu kapieren, muss man nicht stundenlang Personen-Diagramme zeichnen. Drei Minuten Inhaltsangabe reichen.
Ich sehe live auf Staatsoper.TV der Bayerischen Staatsoper.
Calixto Bieito zeigt Halévys La Juive als zappendustere Parabel auf die Liebe in Zeiten der Scheiterhaufen. Bieito macht das ganz ernst, ganz ohne Frechdachs-Gehabe, für das er berühmt wurde. Dass Bieito auf jedes Ausstattungsspektakel verzichtet, versteht sich von selbst. Also null Pomp and Circumstance. Stattdessen fasst der glattköpfige Spanier die Akte in Tableaus voll strenger Klarheit. Einzig ein Spalier überdimensionierter Beton- (oder Stahl?)pfosten in düsterer Mauer-Optik beherrscht die Bühne (). Und – o Wunder – je nach dramatischer Lage entwickeln diese Pfosten bedrohliches Eigenleben und kippen Richtung Sänger (das weckt Erinnerungen an diese verblüffend beweglichen Raumschiffe der Lego-Star-Wars-Kollektion, Bühne Rebecca Hingst).
Sonst schnuckelt Bieitos Juive einigermaßen: Die Personenführung ist intensiv, die Chöre entwickeln suggestiven optischen Druck, das sonstige Setting (Kostüme, Licht) tritt in den Hintergrund, um Leiden und Untergang der Hauptdarsteller zu illustrieren. Eléazar, das ist heuer eben kein Klischeejude, sondern ein bebrillter Zweifler, der sich plötzlich nicht mehr sicher ist, ob die biblische Totschlagzeile „Auge um Auge, Zahn um Zahn“ noch seine liebe Gültigkeit hat. Eine schlüssige, gerade auch dramaturgisch ansprechende Neuinterpretation.
Die Sängerdarsteller tragen den Abend.
Vergnügen bereitet die Rachel der Aleksandra Kurzak. Da sind einmal die ausdrucksvollen Gesichtszüge und ein Agieren, das die Blicke auf sich zieht. Und dann die Stimme: eine mit der Farbe schmerzlicher Leidenschaft getränkte Höhe, vollstimmige Soprantiefen, Emphase und Wärme in den Aufschwüngen, dazu großes Temperament und ein tiefer Seelenton. Indes, Kurzaks Sopran könnte in den Spitzen kontrollierter klingen. Dennoch höre ich dramatisches Singen, das zugleich keusch und sinnlich, melodisch und subtil klingt. Im letzten Akt schluchzt und spuckt und leidet Aleksandra Kurzak – und singt dennoch wunderbar.
Der grimmige Eléazar wird von Altmeister Roberto Alagna gesungen. Alagnas trockenes, festes Timbre, seine gloriose Mittelstimme, sein gutes Stimmgewicht machen seinen Eléazar trotz hartnäckigen Vibratos und nicht immer vorbildlicher tonlicher Platzierung zu einem überzeugenden Rollenporträt. Ausgerechnet das einst weltbekannte „Rachel, quand du Seigneur“ – man höre Caruso, man lese Prousts Le Côté de Guermantes – indes lässt übergreifende Spannung, tonliche Stetigkeit und souveräne Spitzentöne vermissen. Der Applaus ist ordentlich.
Léopold John Osborn verfügt über einen noblen, angenehm klingenden Tenor. Osborn würzt sein Rollenporträt mit viel Liebe zum sentimentalen Detail. Die 1830er waren eben eine Zeit, in der Tenöre noch Serenaden statt Schmiedelieder sangen. Die Kaisernichte und Léopold-Ehefrau Eudoxie findet in Vera-Lotte Böcker ihre Meisterin – mittels schnellschwingendem Vibrato und einem erquickend leichten Sopranstrahl. Den zwischen Milde und Härte hin- und hergerissenen Kardinal Brogni singt der hoch aufragende Ain Anger scharfkantigen Gesichts mit staubtrocken deklamierendem Bass. Seine knorrige Autorität und das prägnante Vibrato verhelfen Anger zu wohlverdienten Bravi.
Johannes Kammler singt den daueraggressiven Ruggiero mit elastischem Bariton, Tareq Nazmi verkörpert Albert. Den Ausrufer meistert Christian Rieger mit fester Stimme. Den Henker singt Peter Lobert.
Die Musik Fromental Halévys ist spannend bis zur letzten Note. Ein wirkungsvolles Orchester, dramatische Chöre, romantische Farbigkeit (ausdrucksvolle Flöten!) – das ist Vor-Wagner, Vor-Berlioz, Vor-Gounod, Post-Rossini, Fast-Meyerbeer – und doch ein singulärer Mix. Ich verstehe, warum die Pariser der 1830er- und -40er-Jahre süchtig nach „Rachel quand du Seigneur“ waren. Bertrand de Billy setzt das mit dem Bayerischen Staatsopernorchester spritzig und effektvoll um. Ein euphorisierter Staatsopernchor tut das Seinige.
Fazit: großartige Musik und Sänger, die den Anforderungen gerecht werden. Und das Scribe-Libretto ist alles andere als ein Schwarzwälder Musiktheaterschinken. La Juive könnte sich zum ultracoolen Festspielköder 2016 entwickeln.
Für Regisseur Calixto Bieito und sein Team gibt es mehr Buhs als Bravos.
Weitere Premierenkritiken und Berichte:
Kritik Abendzeitung: Fromental Halévys La Juive, inszeniert von Calixto Bieito
Bericht Deutschlandradio Kultur: Eine Inszenierung ohne jedes Statement
Premierenkritik Stuttgarter Zeitung: Die anderen sind die Bösen
Opern- & Konzertkritik Berlin 
Interessante Kommentare.
Ich habe die Oper als überlang, schwerfällig, konstruiert. Der Regie fiel nichts besseres ein als diese Missgeburt mit einem tumben Symbolismus zu überkleistern. Nein Danke.
Die Buhs waren infolgedessen mehr als berechtigt.
Diese Oper wird schnell wieder vom Spielplan verschwinden.
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Für mich war die Wand die israelische Sperrmauer zum Westjordanland. Später fühle ich mich an die Demütigungsprozeduren der Nazis erinnert, als die Titelheldin den Boden schrubbt. Mich faszinierte besonders die Geschichte, die sich zwischen den beiden Frauen Rachel und Eudoxie ereignet, was Calixto Bieito besonders schön herausgearbeitet hat.
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Mich hat die vom Regieteam so prominent in den Mittelpunkt gestellte Mauer stark an die Klagemauer erinnert. Für mich ist und bleibt Neil Shicoff der prägende Eléazar. Er war die treibende Kraft hinter den von Ihnen erwähnten Wiener und New Yorker Aufführungen. Roberto Alagna liefert dennoch eine Weltklasse Leistung ab.
Aleksandra Kurzak war anzumerken, dass die Partie besonders wegen der fordernden Höhe auf Dauer nichts für sie sein dürfte. Und Ain Anger war mir in den großen Schlussszenen zu wenig emotional mitreißend.
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Der Bieito Inszenierung stehe ich mit gemischten Gefühlen gegenüber. Deutlich wird, dass Bieito sich nicht verhaspeln will, sondern die großen Linien aufzeigen will. Ihre Meriten hat die Neu-Produktion eindeutig in der mitfühlenden Zeichnung der Person der Rachel. Zum Eleasar findet Bieito keinen Draht, leider leider. Ich musste mehrmals an Rigoletto denken, ohne dass mir das weitergeholfen hätte. Eleazar kam letztendlich recht kühl rüber, ungeachtet des Einsatzes von Alagna.
Das Bühnenbild empfand ich hingegen auf Dauer als geradezu dräuend monoton. Es müssen ja nicht gleich gotische Butzenfenster und jüdische Menoras sein, um das Bühnengeschehen interessanter zu machen.
Bravo für Aleksandra Kurzak, die alles gibt. bravo auch für die mir bislang unbekannte Vera-Lotte Böcker. Ob man Alagna mag oder nicht, ist Geschmacksache, für mich war seine Leistung eine ungute Mischung aus Routine und (zu viel) Stimm-Anstrengung. Andererseits, seine Darbietung der großen Arie aus Akt V (Rachel quand du seigneur) kam von ganzem Herzen und war zutiefst bewegend und um Zwischentöne bemüht.
Wer Donizettis La Favorite (kommt in der nächsten Saison mit Star-Meezosopranistin Elina Garanca) oder Meyerbeers Les Hugenottes schon gehört hat, für den dürfte La Juive nicht gänzliches Neuland sein.
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Vielen Dank für den differenzierten Kommentar.
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Danken wir Gott (meinetwegen dem jüdischen), dass Calixto Bieito nicht auf die Idee gekommen ist, das Thema religiöser Hass im Stile klassischen Regie-Theater-Schmus im Berliner Lageso spielen zu lassen, mit einem Wachpersonal, dass zwischen AfD-Affinität und IS-Sympathien schwankt, etc. etc.
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Danke, Bayerische Staatsoper, für dieses Opernerlebnis! Regisseur Bieito schafft es, den heiklen Stoff ohne peinliche Allgemeinplätze auf die Münchner Bühne zu bringen. Und ohne belanglos oder eben plakativ zu werden. Es ist schön und wertvoll, dass es neben den allbekannten Meistersingern eine weitere Oper schafft, die „jüdische“ Themen anpackt, nur dieses Mal aus jüdischer Perspektive – Halévy sei Dank.
Der Jubel hielt sich etwas in Grenzen, aber auch die Buhs überschritten nicht eine gewisse zivilisierte Grenze.
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Schöne Musik, sterile Inszenierung. So ist das eben, wenn ein vermeintlicher Star-Regisseur verpflichtet wird. Das Bühnenbild erweist sich als starr und unbeweglich, einzig die Jüdin Rachel weiß der Regisseur Leben einzuhauchen. Berührend die Szene, in der Brogni Eléazar die Füße wäscht als eine Szene utopischer Annäherung der Menschen und Religionen.
Roberto Alagna wirkte stimmlich angestrengt. Bertrang Billy sorgte im Graben für einen immerhin unterhaltsamen Abend. Das ist aber für eine Festspielpremiere deutlich zu wenig. Schade
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